2022-02-10 ライフ

近寄り難い「抽象芸術」とは今日の創造における最も分かりやすい表現方法である

© REUTERS/TPG Images

注目ポイント

現代芸術の時代に入り私たちは美的経験から遠ざかり、より哲学的な思考になりつつある。芸術家たちは様々なジャンルに目を向け始め、全てが芸術になる時代が到来しようとしている。それに伴い、芸術はより混沌と不明確なものになろうとしているのだ。

 


鑑賞者が抽象芸術を“怖い”と感じるのはなぜか?抽象芸術が形而上学(形のないもの)の一種だから?人類の経験で知りえる範囲を超えたから?答えがそうではないことを私たちは、美術史の中からはっきりと知ることが出来る。


まず、抽象芸術を理解するためには、歴史的な観点から見る必要がある。これは非常に興味深く、かつ複雑な過程でもある。複数の芸術流派が融合することで、最終的に抽象芸術の発展が進んだ。抽象絵画は、近代主義の最高峰であり、そこに登るのは少しの勇気が必要だろう。今こそ、その勇気を! 抽象芸術の背景にある、過去と現在を見てみよう。


歴史を振り返った時に、芸術の世界が少し質を変えた時期がある--それは写真だ。ルイ・ダゲールによって発明されたダゲレオタイプ法以来、撮影技術の進歩により、外界はほぼ「現実」として再現され、鮮明な画像が平面的な物に印刷された。


ルネサンス以来、芸術家たちが平面上で再現しようとした「現実」は、突然その意味を失い、現実を再現するために一点透視図法や空気遠近法、スフマート法などの技術を研究・開発した。しかし、写真技術は古典技術の全てを破壊した。なぜなら、絵画がどれだけリアルでも、写真の繊細さにはかなわないからだ。この時、多くの芸術家たちが考え始めたのは、もし「現実」を表現出来ないのであれば、どのような形で人々に表現すべきなのだろうか?


20世紀初頭、フォーヴィズムは伝統的な絵画の色使いから脱却し、多数の彩度の高い色を大胆に使用し、細部を省略し影を取り除いた。キュビズムは様々な角度から見たものを一つの画面に描いたもので、西洋美術の概念や描く対象を崩壊させ、空間を平面にする。未来派(フューチャリズム)は、産業革命以降、機械美や物体の動きを表現し、細かく重ね合わせる手法で全体像の中にスピード感を創り出した。


新世紀と旧世紀の交差地点では、完全なる抽象とは言えないものの、芸術家たちが絵の構成において具体的な表現をしていないということが読み取れる。抽象化に加えて芸術家たちは独自の表現方法を足し始めており、それぞれ個人の感情が作品上に反映されている。


これは工業や科学の進歩によるものであり、同時に芸術家の思考論理や私たち鑑賞者の見方に影響を与えるものである。また、それは芸術史の中で新しいページを作り、現在一般の人々に馴染みのある多くの芸術家の最盛期でもあった。


第一次世界大戦前後、ロシアの抽象派、構成主義、シュプレマティスムなどの重要な抽象芸術の発展が始まった。

© Assily Kandinsky,構成第八號,1923


抽象芸術家・カンディンスキーが執筆した二冊の本「抽象芸術理論」と「点と線から面へ」は、抽象絵画の内容を「色」と「形」の二つの点から濃縮してつづっている。本の中で、表現技法は大きく二つのカテゴリーに分けられるとされ、一つ目はセザンヌの理論に基づく幾何学的抽象に始まり、より客観的な視点を伴うキュビズム(立体派)、いわゆる「冷たい抽象」。二つ目はゴーギャンの影響を受けた抒情的抽象であり、主観的な視点を伴うフォーヴィズム(野獣派)、「熱い抽象」の二つだ。


構成主義はコラージュ技法の影響を受け、さまざまな素材を使用して彫刻を構成し、後のバウハウス様式に影響を与えた。ポイントは、同時期のシュプレマティズム(至上主義)と互いに影響を受け合っていたことだ。


マレーヴィチによって開拓されたシュプレマティズムは、反物質的で実用的、芸術のための芸術という点で構成主義とは対極にあり、垂直で表現することから完全に切り離され、基本的な幾何学配置や単一色の塊を利用している。


時を同じくして、「ブリュッケ」と「ブラウエ・ライター」という2つのグループからなるドイツ表現主義が誕生した。彼らは大量の色彩と高いコントラストを用いて感情を表現し、意図的に形を歪め、誇張する表現をした。


オランダでは、モンドリアンを筆頭に絵を垂直・水平のラインや塊を使い、造形上の純粋な表現を追求したネオ・ブラスティシズムという思想が誕生。ロシア美術が美術史の中で、ジャンルを問わず理性や感性を追求する大きな挑戦を果たしたことで、今日の抽象芸術の大枠が形成されたとされる。だが、抽象芸術はここのみにとどまらない。


第一次世界大戦から第二次世界大戦にかけて、ダダイズム、エコール・ド・パリ、シュルレアリスムなどの流派を経て、第二次世界大戦終了後、アメリカではモダニズム絵画を頂点とする抽象芸術主義が登場したことで、初めて美術史における主導的ポジションに駆け上がった。


ジャクソン・ポロックはシュルレアリスムの画家たちがよく使っていた、オートマティズムの技法を受け継ぎ、アクション・ペインティングへと発展させた。無造作に絵具をいたる所にたらすことで、もはや現実や想像上の空間の表現ではなく、キャンバス・媒体・平面に焦点が当てられている。


そしてバーネット・ニューマンのカラーフィールド・ペインティングは、純粋に視覚体験を創り出した。キャンバス全体に色数の少ない大きな色彩の面で塗り込み、後のミニマリズムにも影響を及ぼした。この絵画の純粋性の追求はここで頂点に達し、芸術のあり方を一変させた。その後残るものとは?

© Jackson Pollock,Fair Use@Wikiart


絵画の本質を追求することは、近代美術の最も大きな特徴であり、その思想の根底にある強い排他的な考えが、近代美術をエリート主義に走らせたのである。


ポップアートの出現は、ポストモダニズム普及の足掛かりとなり、芸術界全体を支配していた大きなものが、少しずつ消えていった。こうしてモダニズムが築こうとした枠組みから離れ、芸術家自らの人生経験や社会の現状など、様々な題材をテーマにするようになったのだ。


現代美術(コンテンポラリーアート)の時代に突入した今、私たちは美的経験から離れ、哲学的な思考になりつつある。芸術家たちは様々なジャンルに目を向けはじめ、全てが芸術になる時代が来ようとしている。それによって芸術は、より混沌と不明確なものになろうとしているのだ。


したがって、芸術が曖昧(あいまい)で理解しにくいと感じたら、まず抽象芸術の鑑賞から始めてみるのもいいかもしれない。なぜならそれは、今日の創造における最高の芸術的表現だからだ。


※本文は≪方格子≫の許可を得て引用しています

 

原文作者:呉軍
原文責任編集者:王祖鵬
原文校閲者:翁世航
翻訳者:黄群儒
校閱者:TNLJP編集部